- Vad är teaterns ursprung och historia?
- Teaterns grekiska ursprung
- Ursprunget till icke-västerländsk teater
- Liturgiskt drama och medeltida teater
- Japansk teaters blomning
- Renässansteater och commedia dell'arte
- Ingången till moderniteten
- 1900-talet och samtida
Vi förklarar teaterns ursprung och historia i olika delar av världen, från antiken till idag.
Vad är teaterns ursprung och historia?
De teater, den konstnärliga genre där litteratur (dramaturgi) och den scenkonst (teaterföreställning), är en av historiens äldsta konstnärliga uttrycksformer. mänskligheten.
Även om dess ursprung vanligtvis går tillbaka till Antiken klassiker i väst, sanningen är att nästan alla forntida kulturer de hade någon form av teater eller mycket liknande spektakel, med vilken de utbildade sina ungdomar, bad till sina gudar eller kom ihåg deras myter grundläggande.
De första att förstå teater som en konstform i sig, det vill säga som "dramatisk konst", var dock de gamla grekerna på 600- till 400-talen f.Kr. c.
De gamla grekerna firade vissa ritualer religiös för att hedra Dionysos, vinets och fertilitetens gud, känd som bacchanalia. I dessa riter de dansa och trancetillstånd var normala, men också en viss berättelse och iscensättning av de grundande myterna, och det senare var det som gav upphov till teatern.
Teaterns grekiska ursprung
Det uppstod på 600-talet f.Kr. C. tack vare en präst från Dionysos, kallad Thespis, som införde en viktig modifiering av ritualerna: en dialog som han höll med kören under varje festival.
Därmed blev Thespis den första skådespelaren. I själva verket, enligt krönikor från III-talet a. C. Det var Thespis själv som vann den första teatertävlingen i Grekland, som hölls i Aten 534 f.Kr. c.
Sedan dess blev teatertävlingar mycket vanliga vid festivaler för att hedra Dionysos, som varade i fyra hela dagar och använde avdelade träkonstruktioner för orkester, publik och scen runt statyn av Dionysos.
Under hela 500- och 400-talet f.Kr. C. den grekiska teatern blomstrade och blev oberoende av dyrkan religiös. Det fortsatte dock att vara en mekanism för det grekiska samhället för att utbilda sina unga människor i religion, den mytologi och klassiska medborgerliga värderingar.
Vid den tiden dök de tre stora grekiska dramatikerna fram: Aischylos (525-456 f.Kr.), Sofokles (496-406 f.Kr.) och Euripides (484-406 f.Kr.), författare till en omfattande uppsättning tragiska pjäser som tog upp de stora grekiska myterna. Tillsammans med dem förökade sig stora grekiska komiker som Aristofanes (444-385 f.Kr.).
Teatern var så viktig i den grekiska kulturen att filosofen Aristoteles (384-322 f.Kr.) inspirerades av dem att skriva den första avhandlingen om dramatisk konst i mänsklighetens historia: Poetik från 335 f.Kr c.
På samma sätt var det så viktigt för den tidens medelhavsregion, att den romerska kulturen tog den som förebild och inspiration att utveckla sin egen teater mellan 200- och 300-talen f.Kr. C. Så här uppstod författare med ett sådant rykte som Plautus (254-184 f.Kr.) och Terence (185-159 f.Kr.), vars spelar de var en del av en mycket större händelse i den romerska kulturen: de romerska spelen till gudarnas ära.
Romarna införlivade också det grekiska dramaturgiska arvet i sin kultur och bevarade det på latin för mycket senare läsare.
Ursprunget till icke-västerländsk teater
Det fanns också, i antiken, rika teatertraditioner i öster av världen, särskilt i den antika kulturen i Indien. Indiens teater växte fram ur religiösa och ceremoniella danser.
Denna teater skaffade sig en formell studie runt 300- och 200-talet f.Kr.C., att döma av vad Natia-shastra, en gammal hinduisk avhandling om dans, sång och drama, tillskriven musikforskaren Bharata Muni (datum osäkra). Detta arbete studerar särskilt den indiska klassiska teatern, toppen av sanskritlitteraturen.
I den här typen av drama mycket stereotypa figurer dök upp som hjälten (nayaka), hjältinnan (nayika) eller clownen (vidusaka), mitt i mytologiska och religiösa berättelser om gudarnas ursprung. Föreställningen bestod mer än något annat av skådespelarnas dans och dialog, uppklädda och sminkade, men utan scen eller dekorationer.
Indisk teater praktiserades nästan utan avbrott eller förändring under lång tid, och nådde sin höjdpunkt mellan 300- och 500-talen e.Kr. Två av de stora dramatikerna i denna tradition var Sudraka (3:e århundradet e.Kr.) och Kalidasa (300-500 århundradena e.Kr.), den senare författaren till stora kärleksspel.
En annan viktig icke-västerländsk tradition, teatern i Kina, uppstod omkring 600-talet f.Kr. C. Den bestod mest av danser, akrobatik, mimer och rituella handlingar utan en definierad genre.
Skådespelarna, alla manliga, kunde spela olika typer av stereotypa roller, oavsett om man är (sheng), feminin (så), serier (chou) eller krigare (ching). I många fall användes masker och smink.
Den kinesiska traditionen inspirerade liknande versioner i Japan och andra sydostasiatiska nationer, som blomstrade under senare århundraden, och som inte var kända i väst förrän nästan 1800-talet.
Liturgiskt drama och medeltida teater
Efter hösten Romerska imperiet, teatern i väst tappade sin gamla populära och religiösa relevans: detta beror på att Kristendomen avvisade arvet hednisk av Europa och han gjorde allt för att särskilja sig och ta avstånd från den traditionen. Men på 900-talet var den kristna liturgin och påskfirandet centrala händelser i den kristna kulturen och utfördes med stor pompa och ståt.
Således, i Medeltiden en liturgisk teater uppstod, som återgav de viktigaste scenerna i kristen mytologi, såsom Maria Magdalenas besök i Jesu Kristi grav. Med detta föddes en rik tradition av senare kristen dramaturgi.
Runt elfte och tolfte århundradena började många franska kloster iscensätta bibliska berättelser på en plattform utanför templet, och övergav också den latinska kulten för att använda folkspråk, närmare folket. Iscensättningen av Första Moseboken eller Apokalypsen, eller helgonens plågade liv, såsom den heliga Apollonias eller den heliga Dorothea, var vanligt.
När dessa teaterakter blev komplexa började de ställas ut på flottörer eller mobila scener, för att ta liturgin och den kyrkliga berättelsen till landets olika hörn. Detta var särskilt populärt i Spanien, och de blev kända under namnet Sakramentala bilar, det vill säga eukaristindramer.
Liknande händelser genomfördes i England vid den tiden, särskilt under Corpus Christi, och blev populära former av teater, vanliga i hela Europa fram till 1500-talet.
Från och med då framträdde hans främsta belackare: de protestantiska puritanerna som fördömde den dominerande humorn och djärvheten i hans framställningar, och humanister Renässansen som såg med dåliga ögon sina flärd och dess koppling till en viss medeltida tradition som de försökte bryta sig ur.
Följaktligen förbjöds många av dessa verk i Paris och i länderna i det protestantiska Europa, medan de blomstrade i motreformationens Europa, främst i Spanien. stora författare till barock Spanjorer som Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) och Calderón de la Barca (1600-1681) anses vara bland de största författarna till sakramentakten.
Japansk teaters blomning
Under tiden, i 1300-talets Japan, utkristalliserades en artistkultur. Arvtagare till shintodanser och buddhistiska ritualer, både sina egna och kopierade från Kina och andra asiatiska nationer, tog den japanska teatern sina viktigaste steg.
Sedan dess tog tre stora tendenser sina första steg:
- Det raffinerade lyriska dramat från noh och kyogen-teatern.
- Bunraku litterära dockteater.
- Senare, kabuki-teatern, borgarklassens dramatiska spektakel.
Noh-teatern uppstod i Kyoto runt 1374, under ledning av shogunen Yoshimitsu, vilket inledde en viktig tradition av teatraliskt beskydd av japanska feodalherrar.
De flesta av verken i denna stil, framförda med oändlig grace och förfining av manliga skådespelare ackompanjerade av en liten kör, skrevs under de följande decennierna av Kanami Motokiyo, hans son Zeami Motokiyo, och senare svärsonen till den senare, Zenchiku. Få nya pjäser har skrivits för Noh teater sedan 1400-talet.
Kanske av denna anledning, mot 1500-talet, presenterade det japanska teaterpanorama en viss nedgång. Till detta ska läggas förbudet från 1629 mot alla teaterföreställningar med kvinnor i huvudrollen, efter att presentationerna av shintoprästinnan O-Kuni väckte uppståndelse bland allmänheten i Kyoto.
Det är därför, i början av 1600-talet, en ny japansk teater uppstod för att fylla tomrummet, som speglade tidens nya borgerliga känsla: Kabuki, en framgångsrik kaféteater, som använde påkostade miljöer och utarbetade kostymer, vars verk de kom från den litterära traditionen och dockteatern.
Renässansteater och commedia dell'arte
Som i många andra konst och kunskap, den Renässans Europeiska markerade ett före och efter inom teater och dramaturgi. Verken blev mer naturliga, fråntog sin religiösa skyldighet och räddade det teoretiska arvet efter Aristoteles, såväl som de antika myterna och klassiska symbolerna.
Triumfen av bourgeoisin när den nya dominerande samhällsklassen bestämde en förändring i teatralisk känslighet och snart bevittnades födelsen av nya genrer och nya stilar, såsom den spanska barockteatern och den engelska elisabethanska teatern, i vars tradition stora namn dök upp som Miguel de Cervantes och William Shakespeare.
Den viktigaste av de nya teaterformerna var dock italienska Commedia dell'Arte, som uppstod omkring 1545 som en form av gatu- och folkteater, men framförd av professionella skådespelare. Många av teatergrupperna var kringresande, flyttade från stad till stad och satte upp provisoriska scener.
Där representerade de bitar av komedi fysiska, teatrala improvisationer och egna verk vars tecken de var lätta och snabbt att känna igen, eftersom de alltid bar samma masker. Till exempel, byxor han var en pompös och illasinnad gubbe för vilken skämt och spratt spelades, medan Harlecchino var den skämtande och vågade tjänaren, och Pulcinelli han var den häftiga, puckelryggiga misshandelsspecialisten.
Från och med då började nya former av teatralt spektakel bli populära i ett Europa som värderade dramaturgin mer och mer. De tragikomedi blev en populär genre, en slags mellanlänk mellan komedi och tragedi. Opera växte också fram på 1600-talet och den så kallade "italienska teaterstilen" spreds över hela Europa.
I samma sammanhang hade den franska teatern en viktig boom, i händerna på kända dramatiker som Pierre Corneille (1606-1684) och Jean Racine (1639-1699), stora tragedierförfattare, och särskilt Jean-Baptiste Poquelin, bättre känd som Molière (1622-1673), skådespelare och författare till komedier, farser, tragikomedier och några av de mest berömda verken på det franska språket.
Ingången till moderniteten
Nästa stora förändring i den västerländska teatertraditionen kom med Romantik tyska, speciellt Sturm und Drang under andra hälften av 1700-talet.
Liksom i resten av konsten betonade den teatrala romantiken sentimentalitet och dramatik mot den rationalism som uppstod med Illustration franska. Han föredrog mörka, mystiska teman, särskilt de från populärkultur och folklore.
Arvet efterlämnat av författare som Wolfgang von Goethe (1749-1832) och Friedrich Schiller (1759-1805), med stora dramatiska verk som Faust eller William Tell i början av 1800-talet, var inspirationen till födelsen av en ny genre: melodraman, som inkorporerade musik för att betona karaktärernas känslor.
Från handen av nationalism Europeisk, denna nya stil fångade i nästan alla länder och producerade kända verk och författare som Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla och många andra.
Grunden för den moderna teatern ägde dock, riktigt sett, rum långt in på 1800-talet, med den realistiska teaterns grund, rationalismens triumf över romantikerna. Realismen betonade behovet av en naturalistisk teater: uppsättningar som liknade verkliga, trovärdiga föreställningar och avskalade från storspråkig diktion eller gester.
Som väntat föddes realismen i Frankrike, upplysningens vagga.Den nådde dock sin uttrycksfulla höjdpunkt i pennan av nordiska författare som svensken August Strindberg (1849-1912) och norrmannen Henrik Ibsen (1828-1906), eller till och med hos den även framstående ryske novellförfattaren Anton Tjechov (1860- 1904).
1900-talet och samtida
Ankomsten av det turbulenta 1900-talet förde med sig förtrupp, en oupphörlig källa till innovation formella och estetiska som födde många teaterskolor i Europa och Amerika.
Generellt sökte avantgardet större intensitet och psykologiskt djup i sina karaktärer, övergav de tre klassiska aristoteliska enheterna och anammade ofta fördömande och politisk militans. Dessutom fick teaterchefens roll tack vare dem en framträdande roll framför skådespelarna; en roll jämförbar med filmregissören.
Avantgardistiska teaterrörelser är för många för att kunna räknas upp i sin helhet, men det är värt att notera expressionism, den "episka teatern" av Bertoldt Brecht, det absurdas teater kopplad till filosofin om existentialism och verk av Antonin Artaud, Eugène Ionesco och Samuel Beckett.
Dessutom, avvikelsen och den antiborgerliga känslan hos Arga unga män: Harold Pinter, John Osbourne och Arnold Wesker. Andra stora namn på den tiden var Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, bland andra.
Sedan 1960 har samtida teater försökt att återknyta kontakten med åskådarens känslor, bort från episk teater och politiska budskap. Det finns många teatraliska aspekter som försöker bryta sig loss från scenen och ta teater till gatan, eller införliva allmänheten på scenen, eller till och med ta till happening eller improviserad situationsteater i verkligheten.